Galería - Uría Menéndez

Consagrado artista español, Eduardo Úrculo (Santurce, 1938-Madrid, 2003) es uno de los principales exponentes del arte pop en España. Trabajó diversos lenguajes, como el expresionismo social, el informalismo abstracto y el cómic. Desde 1975, Eduardo Úrculo parte del lenguaje pop para crear diferentes iconos que le otorgarían un lenguaje propio, como son la maleta, el sombrero y las vacas.

Eduardo Úrculo realizó un sinfín de retratos femeninos, entre los que destacan las geishas. La obra “Utopía” perteneciente a esta serie y representa a mujeres en las que el misterio y la sensualidad convivían en unos espacios a medio camino entre lo onírico y el cómic. Las geishas representan, para la iconografía del artista, una evasión romántica y un icono sexual.

Su obra forma parte de importantes colecciones: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Colección Arte Contemporáneo Fundació la Caixa (Barcelona), Museo de Arte Contemporáneo (Bogotá), Colección de Arte Contemporáneo de AENA (Madrid), Fundación Juan March (Madrid) y Museo Nacional de Bangladesh.

Aitor Ortiz (Bilbao, 1970) crea paisajes fotográficos a partir de la arquitectura. Para el artista este es su territorio, el campo en el que experimentar diferentes lenguajes pictóricos, como la figuración o la abstracción. En un diálogo técnico y artístico capaz de desconcertarnos y emocionarnos, Aitor Ortiz juega con el volumen, las luces y las sombras, dotando a sus obras de una belleza sin igual.

En la serie “Destructuras” crea unas visiones urbanas inquietantes y altamente pictóricas que, manipuladas por ordenador, se erigen en una cruda metáfora del destino de la polis. Estas imágenes nos retrotraen a las arquitecturas visionarias de Tatlin y Rodchenko.

Su obra forma parte de colecciones como ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria), Museo Guggenheim (Bilbao), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museo Patio Herreriano (Valladolid) y Fundación la Caixa (Barcelona).

Jaume Plensa (Barcelona, 1955) es uno de los artistas vivos españoles más reconocidos a nivel internacional. Su obra investiga la relación del hombre con su entorno a través de diversos materiales, ya sean tradicionales —como el hierro—, ya sean innovadores —como la resina de poliéster y las nuevas tecnologías—. Para ello, Plensa tiene en cuenta la importancia de la memoria, de las palabras y de los efectos visuales y sensoriales que sus obras producen en el espectador.

“Sitting Tattoo X” es una pieza que integra escultura, luz y palabra, que incide en el espacio en la que está ubicada. Esta obra ejerce una atracción sobre el espectador o incluso sobre el viandante casual gracias a su fuerte presencia física, conseguida con el volumen y fundamentalmente a través de la luz de colores cambiantes. En la obra se pueden leer las palabras que llevan a reflexionar sobre conceptos próximos a la filosofía del despacho y a la persona de D. Rodrigo Uría: justicia, derecho, compromiso, libertad, ética conviven con belleza, solidaridad, estética, arte y cultura.

Jaume Plensa tiene obras expuestas en espacios públicos: The Crown Fountain (Chicago), Breathing, BBC Broadcasting House (Londres), Lester B Pearson International Airport (Toronto), Twins II, Kimpo Sculpture Park, Kimpo (Seúl).

La obra de Amondarain (San Sebastián, 1964) reflexiona sobre el mundo del arte en todos sus vértices e interactuaciones. Analiza las relaciones que existen entre arte, artistas, agentes, lugares expositivos y espectadores a lo largo de la Historia del Arte. En los últimos años, viene planteándose las complejas relaciones que mantienen la pintura —abstracta y figurativa— con la fotografía

En la obra de José Ramón Amondarain expuesta en Uría Menéndez, el retrato “Rodrigo Uría Meruéndano”, aparece el jurista observando el cuadro de Goya “La marquesa de Santa Cruz”, obra que él mismo ayudó a recuperar para el Estado español. El artista reflexiona sobre la relación entre el arte, la memoria y el museo, personalizándolo en Rodrigo Uría, gran coleccionista, mecenas y espectador del arte. Amondarain retrata a Rodrigo Uría a partir de la técnica de barrido del gran artista Gerhardt Richter.

La obra de Amondarain está representada en colecciones tan importantes como las del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Ayuntamiento de Pamplona, el Museo de Bellas Artes de Álava, la Colección Grupo Endesa y el Museo de Arte Contemporáneo Artium (Vitoria).

José Manuel Ciria (Manchester, 1960) se ha consolidado como uno de los principales artistas de su generación. Aunque todavía joven, ha desarrollado ya una carrera extensa y coherente en la que es perceptible un interés acusado y permanente por el trabajo sobre los materiales mismos de la pintura.

Considerado por la crítica como pintor abstracto, recientemente José Manuel Ciria está incorporando elementos figurativos como objetos y cuerpos humanos, tal y como refleja “Cabeza”. La indagación en lo físico se empareja en él también con un fuerte sentido de la dimensión corporal de la condición humana: los cuerpos en todas sus manifestaciones, inmediatas o trascendidas.

Su obra se encuentra representada en diversas colecciones internacionales y nacionales, como el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), el Instituto Valenciano de Arte Moderno (Valencia), el Museo Estatal Galería Tretyakov (Moscú), el Albertina Museum (Viena) y la Academia Española (Roma).

Joan Fontcuberta (Barcelona, 1955) es uno de los más destacados fotógrafos españoles. Su trabajo se caracteriza por llevar al límite la frontera entre realidad y ficción. El artista crea imágenes que cuestionan la representación, la memoria y la ambigüedad, explorando el valor documental y narrativo de la fotografía. Fontcuberta considera la fotografía como prueba, como explicación para acercarse a la verdad por las reacciones que generan al espectador.

Las imágenes de la serie “Semiópolis” proponen un vuelo rasante sobre las páginas en braille de algunos relatos de la literatura, ciencia y pensamiento. Combinando perspectiva y contraluz, el artista representa un paisaje literario como si de un campo arqueológico se tratase.

Su obra forma parte de colecciones públicas como las del Musée d'Art Moderne/Centre Georges Pompidou (París), el Metropolitan Museum of Art (Nueva York) y el IVAM (Valencia).

Pintor y grabador de gran reconocimiento internacional, Josep Guinovart (Barcelona, 1940-2007) era una de las voces más personales del panorama español del siglo XX. La obra de Guinovart, de gran sensualidad y riqueza matérica, es resultado de un diálogo entre la cultura popular, especialmente mediterránea y latinoamericana, las tradiciones artesanas y el espíritu de las vanguardias de la segunda mitad del siglo XX. Intuitivo, vital, de carácter fuerte y combativo, en su obra también se hace presente un compromiso social que con los años se fue afianzando.

En “L’arbre és un llibre”, Guinovart realiza una experiencia próxima al assemblage o collage a base de elementos de desecho y elementos naturales. Entre su expresión plástica y su entorno vital —constituido por la naturaleza, el campo y la tierra—, se genera un vivo diálogo, manifestado a través de símbolos que forman parte de una poética subjetiva.

Su obra forma parte de colecciones como las del Fine Arts Museum of Long Island (Nueva York), el Museo de Arte  Moderno (México DF), el Museo de Arte Contemporáneo (Alejandría, Egipto), el MACBA, Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona), el Museo de Bellas Artes de Bilbao, el Museo Guggenheim (Nueva York), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), la Colección Fundación "La Caixa" (Barcelona) y la Colección Fundación Juan March (Madrid).

Lluís Hortalá (Girona, 1965) investiga sobre los mecanismos de la mirada en su percepción de la realidad. Para ello crea topografías pictóricas que tienen su origen en una experiencia sensorial del paisaje. Partiendo de la naturaleza, el artista explora la psicología de la retina y el acto de contemplar del espectador.

En la obra “Sagarmatha I” el artista representa unas montañas. La visión del paisaje se ve fragmentada por la propia representación del artista que, partiendo de círculos, nos invita a una mayor comprensión conceptual del mundo.

Su obra pertenece a importantes colecciones españolas e internacionales, como las de la Colección Fundació la Caixa (Barcelona), la Fundación Marcelino Botín (Santander), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y la Trust Fundation (Washington DC).

Cristina Iglesias (San Sebastián, 1956) es una artista multidisciplinar que trabaja tanto la escultura como la fotografía y el grabado. Su obra investiga el desarrollo de formas orgánicas y geométricas en materiales de carácter industrial. A Cristina Iglesias le interesa la idea de explorar un espacio dentro de otro con líneas marcadamente arquitectónicas.

La obra “Díptico II” es una serigrafía sobre cobre en gran formato. Esta pieza parece ser fotografía de sus instalaciones escultóricas, cuando en realidad representa modelos en miniatura de los trabajos de la artista. Jugando con el efecto de luces y sombras, la artista crea una obra en tres dimensiones generando una ilusión de profundidad espacial y desdibujando, aún más, la distinción entre el entorno natural y el espacio construido. Presenta letras y palabras que, leídas de forma global como un texto fragmentado, enfrentan al espectador a la imposibilidad de su lectura y a los problemas de la comunicación.

Su obra se expone en importantes colecciones: Museo del Prado (Madrid), Tate Britain (Londres), Museo Guggenheim de Arte Moderno y Contemporáneo (Bilbao), Moca The Geffen Contemporary (Los Ángeles) y MACBA-Museu d´Art Contemporani (Barcelona), entre otros.

Las obras de Massana (Ponts, 1968) son muy matéricas, están cargadas de pigmento y, en algunos casos, rozan la técnica del assemblage. El artista usa un colorido vivo e incorpora formas casi infantiles sobre el fondo claro. Parte de esa pretendida creatividad pura, muy ligada al Art Brut o al Outsider Art (Arte Marginal), para crear un primer impacto en el espectador y para facilitar después la lectura conceptual de sus trabajos.

En “Guardar aquells moments”, Massana utiliza este lenguaje aparentemente sencillo, lleno de elementos casi primarios y fácilmente reconocibles e universales. El artista parece estar buscando a través de este lenguaje a su Yo originario, que pueda expresarse con libertad, sin seguir los caminos impuestos y sin renunciar a ningún posible recurso. Utiliza ese simbolismo personal para incorporal la dimensión humana a su trabajo, trascendiendo de lo individual a lo universal.

Su obra se encuentra representada en diversas colecciones internacionales y nacionales, como la Colección Testimoni (Barcelona), la Colección Fundació la Caixa (Barcelona), la Collezione Eurolinea SRL (Milán), la Colección de la Generalitat de Catalunya (Barcelona), la Colección Caixa de Manresa (Lleida), el Museu de Sant Pol de Mar (Barcelona), el Palazzo delle Arti Napoli (Nápoles) y la Pinacoteca de Jesi (Ancona, Italia).

David Nash (Esher, Reino Unido, 1945) está considerado como uno de los escultores actuales más importantes y de mayor renombre. Su trabajo artístico, motivado por su interés por la ecología y el medio ambiente, está centrado en la escultura en madera que obtiene de árboles caídos o sin raíz.

Sus obras reflejan formas geométricas y orgánicas que buscan el equilibrio entre la naturaleza, la creación artística y el ser humano. En la pieza “Folded Column” se puede apreciar el interior de un tronco en el que se ha creado un dibujo de líneas sinuosas que David Nash identifica con una columna.

Sus obras forman parte de colecciones como las de la Tate Gallery (Londres), el Metropolitan Museum of Art (Nueva York), el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York) y el Palais de Beaux Arts (Bruselas). Desde 1999 forma parte de la Royal Academy of Arts (Reino Unido).

La obra de Ignasi Aballí (Barcelona, 1958) invita a reflexionar sobre el proceso de la creación y la integración de lo cotidiano en la producción artística. Desde la pintura, la fotografía y la instalación, el artista busca la materialización del transcurrir del tiempo y su huella.

La voluntad de análisis del artista se manifiesta a través de la imagen seriada, la clasificación, la lista y el archivo. Su laborioso método de trabajo está basado en la recolección, el almacenamiento y la clasificación de los materiales con los que posteriormente compone su obra. Esos materiales son libros —como la obra aquí presente “Biblioteca I”—, recortes de periódico, restos de tejidos o fenómenos naturales. 

Su obra forma parte de importantes colecciones, como la del Museu d´Art Contemporani de Barcelona (MACBA) y del Patio Herreriano-Museo de Arte Contemporáneo Español de Valladolid.

Vives Fierro (Barcelona, 1940) es un buscador incansable que reformula los motivos que le fascinan. Es principalmente conocido por sus impresiones de la vida barcelonesa, que van desde los entornos más tradicionalmente burgueses (las concurridas sesiones del Liceo o los rincones de Paseo de Gracia) hasta las escenas callejeras, con mezcla de costumbrismo y bullicio (Los Encantes). Sus viajes han ido renovando no solo la temática, sino también el tratamiento de su obra.

Desde sus primeras apuestas estilísticas, más afines a tradiciones impresionistas/expresionistas, su lenguaje ha derivado hacia una técnica mixta en la que el uso del óleo y el collage han ido tomando protagonismo. Establece un diálogo en el que el significado no proviene únicamente de la obra representada, sino también de símbolos de nuestra experiencia cotidiana. Reconocido y prolijo retratista barcelonés, en la obra “Ramón Viladàs”, el artista pinta con trazos muy sueltos y libres, en línea con su figuración realista típica, pese al aire de irrealidad que le confiere el fondo casi indefinido.

Su obra forma parte de colecciones como las del Museo Olímpico (Laussane), el Museo Reina Sofía (Atenas) y el Museo de Arte Contemporáneo de Montevideo.

Pintor y grabador, Joan Bennàssar (Pollença, Mallorca, 1950) estudió Bellas Artes en la Universidad de Barcelona en un momento de cambio en España, en la década de los setenta. En esta época su pintura es de talante informalista y está influida por los expresionistas abstractos norteamericanos. En la década de los ochenta vuelve a la figuración de aire expresionista con la que irá experimentando. Durante 1985 reside unos meses en México, estancia que influye en los colores de su pintura y lo aleja de la figura humana, para centrarse en las cosas y objetos que le rodean. Desde entonces alterna la presencia y ausencia de la figura en su obra.

En “Sent els teus vents a la meva vora” el artista de Pollença continúa en su investigación sobre la relación de pareja y todo lo humano, plasmándolo en un cuadro de grandes dimensiones.

Su obra forma parte de colecciones tan importantes como la del MACBA, Museu d’Art Contemporani (Barcelona).

El denominador común de la labor de Florentino Díaz (Cáceres, 1954) es la ambigüedad perceptiva que hace de sus esculturas. En el territorio de la línea dibujada, Florentino relee el minimalismo y también el constructivismo, en su vertiente “De Stijl”, incluido el guiño que efectúa al trabajar con los colores.

Al artista le gusta resaltar la importancia significante de los materiales. En la pieza “Sin título” explota la transición entre la rigidez del acero y la flexibilidad del caucho, como si el metal tratara de la firmeza de la estructura y el caucho de la maleabilidad del dibujo.

Es uno de los valores más sólidos de los jóvenes escultores españoles. Fue becado por la Fundación Botín en el año 2000 y en 2002 obtuvo el premio “Altadis Artes Plásticas”. Su obra está presente en colecciones como las del Banco de España, Fundación Coca-Cola, Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo, Unión Fenosa, Museo Provincial de Álava y Ayuntamiento de Madrid.

Considerado uno de los exponentes de la influyente escuela alemana de fotografía, Ronald Fischer (Saarbrücken, 1958) ha centrado su obra en el retrato en el más amplio sentido del término. Retrata tanto la piel de las personas como la fachada de arquitecturas para convertirlas en meras abstracciones.

La obra “Suite Group of Five” se inscribe dentro de su serie Fachadas. El artista ha viajado durante la última década por los cinco continentes buscando edificaciones contemporáneas con una especial carga simbólica. Los protagonistas de sus imágenes son breves y densos fragmentos de edificios que son sedes de corporaciones y grandes compañías en todo el mundo. Al fragmentar la piel del edificio, Fischer transforma la arquitectura en pintura geométrica, en formas y colores artificiales y de matices tecnológicos que remiten al urbanismo frío de una sociedad estereotipada y, sin embargo, espectacular.

La obra de Roland Fischer forma parte de importantes colecciones, como las del Museo de Arte Moderno de París, el Museo de Arte de Estrasburgo y el Museo de Arte Moderno de Amberes.

Sandra Gamarra (Lima, 1972), pintora peruana radicada en Madrid, es la fundadora del imaginario Museo de Arte Contemporáneo de Lima, LiMac. Sus obras nos hablan de la cotidianidad y de su voluntad de expresar sentimientos y vivencias universales a través de la figuración.

“Te pinto tu still 2” es una pintura de lo particular, simple y cotidiano, que expresa procesos, vivencias y sentimientos comunes y universales. La pulcritud que hay en la composición y en el color de sus cuadros son el correlato pictórico del orden y el esmero.

Su obra forma parte, entre otras, de las colecciones del MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de Castilla León (León) y del MoMa, Museum of Modern Art (Nueva York). En 2004 obtuvo la beca Marcelino Botín y en 2009 representó a Perú en la 53.ª Biennale de Venezia.

El artista Manuel Saro (Madrid, 1970) parte tanto de la pintura y de la fotografía como de la fusión de ambas para recrear sus particulares espacios. Su lenguaje, influido por el movimiento constructivista, refleja lugares donde los límites entre la realidad y la imaginación, entre el espacio físico y el espacio mental, parecen inciertos.

En la serie “Gabinete de un coleccionista”, el artista parte de la imagen de las salas de exposición de los grandes coleccionistas del Renacimiento y el Barroco. Saro crea un espacio pictórico basado en la geometría, en el que se produce un juego entre la realidad pintada, la pintura como realidad paralela y el espacio generado dentro y fuera del cuadro.

Su obra forma parte de colecciones como las de la Fundació la Caixa (Barcelona), la Colección Unión Fenosa (A Coruña) y el Museo de Bellas Artes de Cantabria (Santander). En 2001 fue seleccionado en el Premio ABC de Pintura y en el de la Fundación Unicaja, y obtuvo el Premio Francisco de Goya y el Premio Villa de Madrid en 1999.

La escultura de Gabriel Díaz (Pamplona, 1968) se caracteriza por el despojamiento expresivo del minimalismo, la densidad conceptual del arte objetual y el uso de materiales orgánicos del land-art.

En su trabajo busca unir la conjunción racional de valores humanos y valores cósmicos y el retorno a la tradicional reciprocidad de las artes y las ciencias. Es aquí donde reside uno de los rasgos más singulares de este artista, su voluntad de fusionar campos de conocimiento, de dialogar con disciplinas que oscilan entre la estética, la astrofísica, las matemáticas, la física, la alquimia y la sabiduría zen.

En su serie de “Metaesculturas” ha utilizado el vidrio en varias capas para componer unas formas vacías e indefinidas dentro de las estructuras laminadas que resultan frágiles y poéticas. En ellas se observa una antítesis entre construcción y sustracción (de materia). Gabriel Díaz ha expuesto en el Museo Nacional Reina Sofía (Madrid), en el Guggenheim (Bilbao) y en el Museo ARTIUM (Vitoria), entre otros.

La obra de Ana Luísa Ribeiro (Lisboa, 1962) nos habla de la memoria, del pensamiento y del paso del tiempo. Esta artista, que se mueve fundamental en el territorio de la pintura, reflexiona sobre sus experiencias a través de distintos objetos, sobre todo libros y catálogos de arte, que pinta como testigos fieles del paso del tiempo.

Las páginas del libro pintadas en la tela de Ribeiro “Sin título” representan el establecimiento de una relación con nuestra esfera más íntima. Esta relación se va redefiniendo en una relación pública que involucra a todo el espacio circunstante. Las pinturas de Ana Luísa Ribeiro no tratan de libros, sino de un proceso de conversión de una relación íntima en una alusión pública, de una experiencia particular a una universal.

La artista ha expuesto en el Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa (A Coruña), la Honrad Gallery (Dusseldorf), el Centro Difusor de Arte (Oporto) y la The Nartex Gallery (Nueva York), entre otros. Su obra forma parte de colecciones públicas tan importantes como la de la Fundación PLMJ (Lisboa).

La pintura de Ramón Herreros (Barcelona, 1947) es un resplandor en el horizonte que no define ningún gesto o palabra. El artista trabaja con unos recursos muy limitados que podrían conducirle a caer fácilmente en la monotonía. Sin embargo, de esta limitación de recursos es capaz de extraer multitud de acentos.

En la obra “Alpenblühe” existe una voluntad de recuperar el arte en su acepción más elemental, en su trasfondo simbólico. En esta pintura hay algo de primitivo: presente y pasado se funden en una dimensión temporal en la que el color —principio vital— y la geometría —ordenador universal— coexisten armónicamente.

Su obra forma parte de importantes colecciones: ARTIUM, Centro Museo Vasco de Arte Contemporáneo (Vitoria), MACBA, Museo de Arte Contemporáneo (Barcelona), Fundación Coca-Cola (Madrid), Fundación la Caixa (Barcelona) y Colección Duquesa de Alba, entre otros.

Bayón (Puente de los Fierros, 1960) cursó estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Oviedo. En 1979 inicia sus primeras exposiciones, combinando trabajos de pintura, dibujo y escultura. El artista tiene una sensibilidad muy receptiva para creaciones de sofisticada modernidad. Las obras de este dibujante extraordinario y provocador muestran su trampantojo fotorrealista, que, sobre el virtuosismo de la dicción, introduce efectos de composición, actitudes o añadidos textuales que acentúan la intensidad expresiva de la imagen, como se observa en su obra “Claustro Universidad de Oviedo”.

Agustín Bayón ha obtenido importantes premios (Concurso Internacional de Dibujo Artístico “J. Pérez Villamil”, Penagos y I Premio Fundación Laboral de la Construcción) y ha expuesto en instituciones como la Fundació Palau (Barcelona) y el Museo de Bellas Artes de Asturias (Oviedo).

La obra de Simeón Saiz Ruiz (Cuenca, 1956) destaca por su exigencia estética y moral, y por poner de relieve el juego de espejos con que se configura toda representación: en nuestro mundo, el mejor modo de ocultar es mostrarlo todo. La obra “ST3” presenta un denso entramado superficial de líneas y trazos, que cubre enteramente la superficie del cuadro y deja ver en su fondo el trazado en sombra de una imagen elegida al azar por el artista.

Su obra forma parte de importantes colecciones: Patio Herreriano-Museo de Arte Contemporáneo Español (Valladolid), Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid), Museo Español de Arte Abstracto (Cuenca), British Museum (Londres) y The Hispanic Society of America (New York), entre otras.

Partiendo de la idea de la ciudad y su arquitectura, Esther Pizarro (Madrid, 1967) investiga la relación del ser humano y el espacio: transparencia, ausencia de límites, interconexión espacial, yuxtaposición de identidades y dilatación como síntomas de una ciudad. Para Esther Pizarro, los límites físicos y cerrados de nuestro cuerpo nos exponen a ese espacio externo facilitándonos la exploración de las interioridades y exterioridades de la ciudad.

En la obra “Intersticio Vertical”, la artista parte de las formas geométricas de la urbe, prescindiendo de sus habitantes. Las líneas sinuosas dibujan los límites del espacio urbano y se plantean como vías por las que nos movemos.

Su obra forma parte, entre otras, de las siguientes colecciones públicas: Academia de España (Roma), Fundación Actilibre (Madrid), Colección Caja Madrid (Madrid) y Ministerio de Educación, Cultura y Deporte (Madrid).

(Guipúzcoa, 1966)

Artista multidisciplinar que trabaja tanto la pintura como la escultura. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad del País Vasco, Muniategi (Guipúzcoa, 1966) trabaja en la línea de la abstracción —si bien no renuncia a las referencias figurativas—, realizando trabajos vinculados a la geometría. Sus obras tienen una primera apariencia de inacabadas, lo cual forma parte del discurso reflexivo del artista en torno a la forma y cómo convive esta con el espacio. El artista busca comprender las formas tanto desde una perspectiva bidimensional, más ligada a la pintura, como tridimensional, que aborda y materializa a través de sus esculturas.

En su obra incorpora referencias de artistas internacionales de la vanguardia constructivista, como Rothko o Rodchenko, y de artistas de la tradición vasca y de su entorno más cercano, entre los que destaca Ibarrola. Estas referencias están presentes en la pintura de la colección Uría “R nº 9”.

Muniategi ha expuesto en diversos centros españoles, como el Museo de Arte Contemporánea de Vigo, el Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM (Vitoria-Gasteiz), La Conservera (Ceutí, Murcia) y el Centro de Arte Caja Burgos (Burgos). Su obra forma parte de la colección del Museo Vasco de Arte Contemporáneo ARTIUM. Fue galardonado con el Primer Premio de Pintura Generación 2000 de Caja Madrid y con el Premio Gurre Artea 2000.

Nuno Cera (Beja, 1972) vive entre dos ciudades, Lisboa y Berlín, desarrollando su producción artística ligada al soporte fotográfico y al vídeo. Para el artista es de especial interés el concepto de lo urbano: el papel del individuo inmerso en la ciudad, el paisaje urbano o la visión arquetípica de la metrópoli.

En la serie “A room with a view”, el artista elige como escenarios habitaciones de hoteles, a través de la cuales ahonda en un complejo diálogo entre la figura del individuo y la ciudad. Al realizar las fotografías a través de las cristaleras de la habitación, el paisaje urbano se funde con los reflejos del interior. El artista elige vistas desde las que apreciamos algún edificio característico de dicha ciudad. Nuno Cera descarta la manipulación digital y se sirve de la fotografía analógica para la realización de esta serie, logrando efectos sorprendentes sin ningún retoque o modificación ulterior.

Cera ha expuesto en instituciones como el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona, el Centro Cultural de Belem (Lisboa) y el Domus Artium (Salamanca). Su obra está presente en colecciones como las de la Fundação PLMJ (Lisboa), la Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa) y el Museu de Arte Contemporânea de Elvas.

Artista ecléctico, Julião Sarmento (Lisboa, 1948) es uno de los máximos exponentes del arte portugués contemporáneo. Estudió pintura y arquitectura en la Escuela de Bellas Artes de Lisboa y comenzó a trabajar en la década de los setenta con diferentes formatos, como el vídeo y el sonido, para ir evolucionando hacia la fotografía y la pintura.

Sus obras destacan por su carácter intimista y por su extraordinaria capacidad para plantear cuestiones que van más allá de lo visual, logrando crear una realidad que se mueve entre la experiencia y la memoria. Influido por las vanguardias europeas y norteamericanas, Sarmento trabaja con la fragmentación de las imágenes (periódicos, recortes, fotografías), sobre las que pinta para generar nuevos significados.

La serie “Mod” se hace eco de su interés por la soledad, uno de los temas constantes en su trabajo, a la que evoca a través de espacios comunes deshabitados y potencia con el uso de la fotografía en blanco y negro.

Julião Sarmento representó a Portugal en la Bienal de Venecia en 1997.

Sarmento ha expuesto en instituciones como el Centro de Arte Contemporáneo de Málaga, La Casa Encendida (Madrid), el Contemporary Arts Center (Ohio) y el Tate Modern (Londres). Encontramos obra de Sarmento en instituciones y fundaciones como Ellipse Foundation (Alcoitão-Portugal), la Fundação PLMJ (Lisboa), el Centre Pompidou-Musée National d´Art Moderne (París), el Solomon R. Guggenheim Museum (Nueva York) y el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid).

Artista de formación y con tradición artística familiar, Helena Almeida (Lisboa, 1934) comienza a desarrollar su carrera en los años sesenta, cercana a los nuevos movimientos de performance de la época. Actualmente, su obra se basa en la fotografía, en blanco y negro principalmente, y tiene como objeto de sus tomas a sí misma, a su propio cuerpo, aunque dichas fotografías no son autorretratos, sino objetivaciones de movimientos significativos en el espacio en su proceso artístico. Almeida modifica y manipula la obra para dotarla de un contenido conceptual más allá de la realidad. Las fotografías sufren una manipulación posterior: son pintadas, se les añaden objetos tridimensionales o se acompañan de grabaciones sonoras o de vídeo.

Helena Almeida muestra un especial interés en la ruptura de la bidimensionalidad en sus obras, tal y como podemos percibir en la serigrafía “Sin Título”, en la que predomina el blanco y negro, acompañado y reforzado por el empleo de una gama cromática limitada, el azul.

La artista ha participado en la Bienal de Venecia de 1982 y en la Bienal de Estambul de 1997. Su obra se ha expuesto en instituciones como el Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (Badajoz), la Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa), el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (Madrid) y el TATE Modern (Londres), entre muchas otras. Encontramos obra de Almeida en la Fundação PLMJ (Lisboa), la Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa), el The National Museum of Western Art (Tokio) y el Museu d´Art Contemporani de Barcelona.

Nacida en Lisboa, donde se inició en la pintura en su juventud con Armando Lucena, María Helena Vieira da Silva se trasladó a París en 1928, donde entró en contacto con los artistas de vanguardia del periodo de entreguerras, como Léger, Klee o Miró. María Helena desarrolla un estilo cercano a la abstracción lírica, centrándose en el paisaje urbano denominado como "paisajismo abstracto". Este movimiento, en el que refleja su interés por el estudio del espacio y la profundidad, crea imágenes fragmentadas y arquitecturas oníricas relativas al imaginario de la ciudad. Su preocupación por captar la luz y el espacio, por medio del color, le sirve para crear arquitecturas oníricas que configuran perspectivas imposibles.

La obra “Clair de lune” se hace eco de las influencias parisinas de vanguardia, con la mirada puesta en Miró y Kandinsky, pero a su vez dentro de este lenguaje abstracto en el que se reconoce una de las señas de identidad de la artista, el referente al espacio urbano.

La pintora participó en las tres primeras ediciones de la Documenta de Kassel (Alemania), en la vigésima edición de la Bienal de São Paulo y en instituciones como el MoMA (Nueva York), la Fundación Juan March (Madrid) y el Museu de Arte Moderna Rio de Janeiro, entre otros.

Encontramos obra de esta artista en la Tate Britain (Londres), la Fundação Calouste Gulbenkian (Lisboa) y el Musée des Beaux-Arts de Caen.